La ventana, según Hopper

"Morning sun", Edward Hopper

"Sentada sobre mi cama disfruto de los rayos de sol, que casualmente, entran por mi ventana. Meditando sobre mis cosas, pierdo el tiempo mirando más allá de ella. La ciudad sigue viviendo fuera de mis cuatro paredes. Pensando, pensando, empiezo a relajarme. El hermano sol, me calma, decido tenderme sobre la cama y por fín logro cerrar los ojos.

Después de muchas horas despierta, mis ojos ya enrojecidos por el esfuerzo, se cierran. Pero sigo pensando en mi día, en su conversación, en mis palabras, las lágrimas, intento asumirlo todo. Se puso el cartél de fin a nuestra historia. Han sido muchas horas despierta, todo esto me ha agotado. El único momento bueno, es este donde descanso en el calor de mi cama. Espero que al despertar me haya desprendido de este sentimiento de asombro y dolor."



Así congela Hopper en sus obras a los personajes. Personajes con una historia como esta, o como otras que podemos imaginar y que nos devuelven a nuestros momentos de soledad que de vez en cuando nos invaden.

La obra de Hooper se desarrolla durante el siglo XX, del cuál absorbera y aprenderá con el obligado estudio del arte en Europa, en pleno movimiento de vanguardias históricas. Su obra se caracteriza por una visión del ser humano, en un entorno urbano, con tintes que lo acercan al realismo, pero sumidos o congelados en un momento de reflexión o soledad.

Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec

Tal día como hoy.....muere en 1901 Henri de Toulouse-Lautrec. Nace en el seno de una de las familias más antiguas de París en 1864, debido a la endogamia que se daba en las familias de rancio abolengo, la consanguineidad de sus padres le hizo sufrir una enfermedad: picnodisostosis (debilidad ósea), sufriendo fracturas en los femur, y como resultado final llegó hasta una altura de 1,52 cm.

De talento nato para el dibujo, decide dedicarse para el dibujo en contra de sus progenitóres, apoýandose en otros miembros de su familia. Estudio con Léon Bonnat y Fernand Cormon, en el estudio del último entabló amistad con un tal Vincent Van Gogh. Marcha a vivir en Montmartre, donde vivían artistas, poetas, escritores, donde se estableció la vida intelectual.

Este mundo de nocturnidad, prostitución, alcohol, fue donde se sintio acogido pues su minusvalía pasaba desapercibida. De esta manera al contrario que sus cohetáneos preocupados por la luz de momento, el paisaje, la vida, Toulouse se dedica a captar los interior de estos lugares, la vida nocturna, las bailarinas, salones, prostitutas, circo, etc. Siendo reconocida su labor como cartelista, será Lautrec el que impulsó este género hoy día tan marcado por la publicidad, pues con unos cuantos trazos largos y sinuosos, con colores sencillos logró hacer valer su pintura.

Como no podía ser menos, entra dentro del mito de artista bohemio, que sí que vendio cuadros, pero que dentro de ese tipo de vida, totalmente alcoholizado, con depresiones, neurosis, llegará incluso a ser internado. Tanto será el deteriorioro de su salud y tal alcoholismo que lo llevará a la tumba.

Enmarcado dentro de la corriente de los post-impresionistas, por ponerles un nombre a unos cuantos que quedan fuera de los grandes impresionistas, forma grupo con otros como Seurrat, Gauggin o Van Gogh. Entendamos que es un nombre, para albergar a artistas individuales diferentes entre sí, pero que en común solo tienen su cronología.

La línea manda en la obra de Lautrec, la sencillez de la forma del cuerpo humano, enmarcado en los interiores, salones, lugares de reunión. Sus modelos eran prostitutas, bailarinas, mujeres de mal vivir. Retrató el París de una época, de una forma de vivir que llevó a su límite más extremo. El color,influenciado por los impresionistas, se adapta a la obra, en cartelismo, sencillo para llamar la atención, mientras que en sus óleos se deleita en las tonalidades.

Os dejo una muestra de sus cuadros, más que de su obra cartelistica, tan conocida por el gran público. Dos peliculas para ver: Moulin Rouge (2001) de Luhmarnn y Moulin Rouge (1952) de Huston, sin duda la mejor biografia del artista.

El origen del mundo (L´Origine du monde)

Volviendo a mis orígenes artísticos, dejo en este post "El origen del mundo", según la visión de Gustave Courbet. ¿Porqué?, así me lo reclaman. Las pequeñas cosas de nuestros día a día, se mezclan, y es así como una se acuerda de aquellos cuadros que estudió una vez hace ya años.

Dejo de lado cualquier inclinación hacia la evolución del hombre desarrollada por Darwin (en este año se celebra); y cualquier mención a la teoría del Big Bang. Nos vamos a la simple mirada de un hombre. Un pintor.

Gustave Courbet, concibió en la postura de esta modelo, el origen del mundo, del ser humano claro, de la vida. Tumbada, semidesnuda puesto que se levanta el vestido. Su cara está oculta, no enseña su sexo orgullosa. Sin pudor. Sensualidad. Su instrumento de placer. Y vida también.

Courbet, pintor que se encuadra en el realismo francés. Revolucionario. Vivió entre 1819 y 1877. Participó en el gobierno de la Comuna de París en 1870, se encargó de la administración de los museos de la ciudad. Al caer dicho gobierno, fue encarcelado durante seis meses, por no poder pagar la multa tuvo que marcharse a Suiza. Muriendo finalmente de cirrosis.

Comienza como pintor de paisajes en los bosques de Fontainebleau. Es el fundador del realismo, escoge temas y personajes de la realidad cotidiana. Afirmaba que el arte debía plasmar la realidad. Sus referencias son los maestros del pasado como Velázquez, Zurbarán o Rembrandt. Sus desnudos, están dotados con una sensualidad y calidez, que abrumó al gran público, como se demuestra aquí.

Dicha obra realizada en 1866, un óleo sobre lienzo, oculto. Desde que lo compró en una subasta Antoine de la Narde, sus andanzas están poco claras. Pasó a manos de Hatvany, que se lo llevó a Budapest, serían arrebatados en la II Guerra Mundial por el Ejército Rojo, y devueltos a su dueño. Llegando a manos de Lacan, que como sus anteriores propietarios lo habían ocultado, en el reverso de otras obras de arte pasando así completamente desapercibido.

Hasta 1981, el cuadro no llega a manos del Estado Francés a la muerte de Lacan. No será hasta 1988, cuando se muestra al gran público. Y desde 1995 se expone en el Museo d´Orsay, al principio se le colocó seguridad, para salvaguardarlo de cualquier loco. Obras como esta, se guardaban del pudor del gran público y eran un tesoro para el propietario, que las admiraba en la más pura intimidad.

El abrazo, por Egon Shiele

Cuando uno elige un tema sobre el que escribir o buscar, siempre te sorprende lo que encuentras. La elección, supongo que aleatoria, pero claro habría que preguntárselo a mi subconsciente. Es una variación temática, de la que hay ejemplos en todos los ámbitos artísticos.


Este abrazo, creo que es el más carnal de todos los que he dejado aquí. Dos imágenes, la superior es un detalle impresionante de esta lámina, cuyo autor es Egon Shiele (1890-1918). Realizada en 1915, en plena vanguardia europea, la técnica es el gouche (técnica semejante ala acuarela, donde los colores son más pastosos como el óleo, se disuelve en agua, y necesita un aglutinante).


En el gouche, vemos dos personajes, íntimamente relacionados entre sí. Completamente desnudos, en un alarde de sensualidad. Un hombre y una mujer, solamente ellos. En su cama, arropados por la sábana blanca, que delimita la escena. Es la intimidad de cualquier ser humano. Un momento que compartimos. Un abrazo, amoroso.De pasión, de sexo. Carnal, de esos que levantan la libido. Desnudos, abrazados, rozándose, sintiéndose, tocándose. Deseo y finalmente lujuria.


Destacar la sinuosidad de las formas, de los cuerpos. Los colores empleados, un cuerpo con tonalidades verdosas, enmarcados por la línea negra, que es la que dirige el dibujo. La dificultad de las posturas, en un experimento por enlazar las dos figuras, separándose de las reglas empleadas en pintura hasta ese momento.

El contexto artístico donde se desarrolla, es a comienzos del siglo pasado, en pleno boom de la vanguardia europea. Egon Schiele, pintor austríaco, alumno de Klimt, encajado en el expresionismo. Muere con tan solo 28 años, por la epidemia de gripe española. Vivirá entre Bohemia y Viena, acusado de pornografía, por retratar niños, pasó brevemente por la cárcel.

Su temática asume una altísima tensión emotiva en la sensualidad que se vuelve obsesión erótica, junto al tema de la soledad angustiosa. Schiele utiliza una línea cortante e incisiva para exprimir su propia realidad y para mostrar impetuosamente la dramática destrucción física y moral del ser humano.

El color adquiere un valor autónomo, no naturalístico, resultando particularmente eficaz en sus muchas acuarelas y en sus diseños de alucinada tensión. El espacio se convierte en una especie de vacío que representa la trágica dimensión existencial del hombre, en continuo conflicto entre la vida y la muerte y sobre todo la incertidumbre.

El abrazo ante la puerta dorada, Giotto

En esta segunda entrega, del tema estrella, en este caso el abrazo, desde diferentes puntos de vista a lo largo de la historia del hombre, he elegido al maestro Giotto.

Realizado entre 1304-1306, está dentro del ciclo de frescos de la capilla de los Scrovegni. Este consituye el último episodio en el registro superior de la pared sur, consigue imbuir a la escena de una sensacón de sinceridad e intimidad. Giotto ha captado el momento del encuentro entre Joaquín y Ana a las puertas de la ciudad, después de la visita del ángel a Joaquín para decirse que su mujer ha concebido una hija, María.


Un abrazo sincero e íntimo, de carácter religioso, sentimental al fin y al cabo.

Angel Ganivet: Vivir

Ángel Ganivet, granadino de nacimieto vivió entre 1865 y 1898, es uno de los pensadores finiseculares más enigmáticos y, a la vez, más inspirados sobre el tema de la esencia de su país. Ganivet no sólo veía a España como un misterio, sino también solía velar a su persona y si pensamiento de sus lectores. Pero éstos pocas veces han respondido con el obligado ejercicio de hermenéutica. Por eso, se le ha supuesto casi siempre un dogmático, cuando de hecho poseía una inteligencia escindida, que le impulsaba a afirmar ora una posición, ora su contraria.

Forcejean dentro de Ganivet una tendencia heroica a idealizar la experiencia, por un lado, y una conciencia antiheroica de los límites humanos, por otro. Para ello creó a Hípope y Cínope. Hípope es un hombre noble, elevado en sus ideas y neto en sus intenciones, una especie de Parsifal civilizado; Cínope es un cínico, un hombre primitivo, tan bueno como Hípope, pero mucho más granuja, más pícaro.

De esta manera se vé a Ganivet, pero será Eduardo Arroyo el que capte su dicotomia interior en una serie realizada entorno al suicidio de Ángel Ganivet, donde recogen diferentes momentos como, en el que tras arrojarse a las heladas aguas del río Dvina, sólo emergen sus zapatos o este instante donde lo tenemos echado encima de una mesa sobre sus aputes (con una botella de manzanilla); trasluciendo la amargura interior del granadino.

Así mismo he añadido un poema, muy al hilo del sentir de autor, se titula Vivir.

Lleva el placer al dolor

y el dolor lleva al placer;

¡vivir no es más que correr

eternamente alrededor

de la esfinge del amor!



Esfinge de forma rara

que no deja ver la cara...;

más yo la he visto en secreto,

y es la esfinge un esqueleto

y el amor en muerte para.

Joaquín Sorrolla: impresionismo español

Saliendo del baño, así se titula esta obra de Joaquín Sorrolla. Maestro del impresionismo español, pintor que como nadie supo captar la luz del Mediterráneo, con sus aguas, sus gentes, sus colores y hasta la brisa del verano.

Cuando en épocas anteriores estudié a Joaquin Sorrolla, no entendía ese concepto de la luz. Problema de fácil solución si se visita la Casa Museo de Sorrolla en Madrid.

La casa donde habitó el valenciano y su familia, donde se albergan además de gran cantidad de obras, recuerdos y mobiliario. Claro eso hace que parezca un espacio pequeño, al encontrarse esa inmensidad de objetos, la casa también conserva el patio exterior, donde el artista salía a disfrutar de la naturaleza.

Añadir en estas líneas la fuerza del color y de la luz, que realmente te deja enmudecido, en el transcurso de mi visita a esta agradable vivienda, entre otros estaba este cuadro, que es de una ternura inigualable, que nos recuerda a las vírgenes renacentistas (a las del amigo Rafael).



Recuerdo con mucho cariño de aquella visita, un par de obras que apenas se encuentran en los catálogos, son unas vistas de Córdoba, de la Alhambra y del Generalife, cuando el artista viajó a tierras andaluzas, y para muestra el Partal, viéndose reflejado en esas fuentes y jardines granadinos.


Para vosotros va dedicado este cuadro, por todas aquellas veces que me sorprendí ante una obra de Sorrolla, contigo.

George Wesley Bellows: realismo americano

George Wesley Bellows (1882-1925) fue un pintor estadounidense reconocido por sus hábiles descripciones de la vida urbana de Nueva York. Sus pinturas describen el ambiente crudo, de la sociedad de la época, el caos de la gente de la clase obrera, los vecindarios, y la satirización de la clase alta.

Sin embargo, la serie de pinturas de Bellows donde capta las peleas de boxeo amateurs fueron posiblemente su gran contribución a la historia del arte. Esas pinturas están caracterizadas en ambientes oscuros, en donde las brillantes pinceladas que representan a las figuras humanas vívidamente dan un fuerte sentido de moción y dirección.

Desde 1907 a 1915, creó una serie de pinturas mostraban a la ciudad de Nueva York bajo la nieve. Escenas de la vida urbana como esos vecindarios colmados de niños en las calles y ropa colgando en tendederos, que tan retratados por el cine han sido.

A menudo peleaba con los otros empleados por su creencia de que la libertad artística debería vencer a toda política ideológica que podría tener el periódico. Bellows también disentió notablemente con su círculo, apoyando públicamente la intervención de Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial. En 1918, creó una serie de litografías y pinturas que describían gráficamente las atrocidades cometidas por Alemania durante su invasión a Bélgica. La más notable de ellas fue The Germans Arrive, la cual estaba basada en un relato verdadero, y la cual ilustraba crudamente a un soldado alemán conteniendo a un joven belga cuyas manos habían sido cortadas. Por esta razón, su trabajo fue altamente criticado por los censores y fue perseguido por los idealistas que estaban en contra de la guerra, apoyados por el gobierno nacional bajo los Actos de Espionaje.

Obras:

- Dempsey and Firpo (1924)

- Forty two kids.

- New York (1911)

Takashi Murakami

El Museo Guggemheim de Bilbao, abre sus puertas al arte oriental. No se equivoquen, esto no es como en más de una ocasión, ante una obra de arte zen, se pregunta uno acerca de la función del arte hoy día.


Al más puro estilo popero, wharholeño, llega Murakami. Se le considera el abanderado del arte contemporáneo japonés (aunque formado en el arte tradicional oriental), en su obra se mezcla el anime japonés, con la moda, el diseño industrial, vídeos, con motivos cercanos a la cultura popular, tomando vida en esculturas y pinturas como las que se verán en la muestra bilbaína.

Hace un visión crítica de la sociedad japonesa actual, y del desarrollo de la misma a lo largo del siglo pasado. Él mismo ha definido su estilo artístico "Superflat", caracterizándose por la bidimensionalidad, crítica la propia estructura del arte, desdibujando los límites entre la alta y baja cultura.

Con un universo muy personal creado a partir de ojos, seres fantásticos, animales, es tomado a golpe de color, provocando un fuerte estruendo a los ojos del espectador occidental, que tiene otra impresión de aquel lejano país de oriente.




páginas de interés:

http://www.guggenheim-bilbao.es/microsites/murakami/
http://www.takashimurakami.net/